BLUE MOON
¿TODAVÍA EXISTES?”
Akwaeke Emezi
Una performance que pone el foco de atención en el cuerpo, no solo como forma expresiva, sino como herramienta política. Una búsqueda íntima para reflexionar sobre la identidad, un viaje emocional entre la luz y la sombra capaz de transformar el cuerpo/objeto en sentido. Un espectáculo para reflexionar sobre las cuestiones de género.
A través del uso dramatúrgico de la música, BLUE MOON abre distintas cuadros escénicos, a veces poéticos, a veces grotescos o irónicos, unidos por un solo hilo: un diálogo profundamente íntimo con el propio cuerpo.
BLUE MOON es la historia de una Transformación, de un renacer que extrae su fuente de energía expresiva de la música y la danza. El Cuerpo como centro de la performance, un cuerpo narrativo, una obra de arte viva que atraviesa el relato mediante un fluir orgánico y sensorial, socavando la idea de género y devolviendo el conocimiento del propio cuerpo a la rebelión existencial, la diversidad, la oposición.
Sobre las notas enrarecidas de un piano, una imagen de la oscuridad entra en escena y su historia comienza con la melodía de la canción Blue Moon.
Un espectáculo que utiliza el canto en vivo con el fin de abrir espacios de reflexión y suspensión poética y dramatúrgica, pero al mismo tiempo transporta al espectador al interior de diferentes cuadros que tienen la tarea de narrar todo un recorrido vital.
La infancia y la relación con un cuerpo que no le pertenece: HoliDolores (nuestra protagonista) nos adentra en su historia, que es la historia de muchas personas, la historia de la búsqueda de uno mismo, de un cuerpo que le represente.
Una danza mecánica y sus recuerdos de infancia: aquí aparecen dos muñecos, una niña y un niño que toman protagonismo y que seguirán la historia como espectadores imaginarios: casi parece que la obra esté dedicada a ellos.
“Mamá, ¿soy un niño o una niña?“
La pregunta se vuelve gesto, movimiento; y a través de una partitura sincopada somos catapultados a un zapping postural que nos habla de los estereotipos de género.
“Los recuerdos nos transportan a un vórtice de imágenes inconexas que, como olas, chocan contra nuestros cuerpos”. Entonces, llega el momento de contar el primer acercamiento con el placer, con la maravilla del cine y de las fabulosas divas que lo habitan… “¡Yo quiero ser así!”
Pero el enfrentamiento con una realidad que la aprisiona en un cuerpo que no quiere “¡Eres un niño, deja esos muñecos!”, nos devuelve a la realidad y a un dualismo que impregna la sociedad que nos rodea.
A partir de este momento, tiene lugar la construcción de una vida hecha a partir de imaginación y fantasía donde finalmente podrá ser una princesa: un vals de ensueño bailado con un príncipe-maniquí que encarna todas sus historias imaginarias.
Después, el descubrimiento del sexo abre un cuadro con una danza grotesca, un carrusel formado por encuentros apasionados, furtivos, anónimos, exasperados.
Pero llega el encuentro con el amor verdadero y el deseo de ser, de finalmente existir por lo que uno es. Un encuentro que permite a HoliDolores descubrir nuevas posibilidades, nuevos caminos.
Y al final, el nuevo comienzo: el viaje de transición.
Una historia que nos habla de esperanza, de un camino hacia el autoconocimiento, la propia aceptación y la alegría de ser la persona que siempre has querido ser.
La música, con arreglos originales para el espectáculo, fue creada por Luca Longobardi y Matteo D’Incà y está pensada a partir de una pregunta: ¿cómo crear ambientes sonoros que estén profundamente ligados a los significados de una historia íntima? ¿Puede la música guiar al espectador? ¿Puede, a través de la acción en vivo, crear imágenes en la mente de los espectadores?
Gracias a la investigación sobre los sonidos electrónicos y no electrónicos, con una cuidadosa mezcla de melodías antiguas y contemporáneas, se ha creado un espectáculo que es al mismo tiempo un concierto, una narración personal a través de la música.
IMÁGENES Y VÍDEO:
El uso de proyecciones de video está influenciado por el equilibrio entre los diferentes medios.
En estrecha conexión con la estructura dramatúrgica, las proyecciones de video son parte integral del espectáculo, al igual que la música.
La proyección invade diferentes espacios, jugando con superficies vacías y llenas: las imágenes se desmantelan, se transforman, se multiplican.
Las imágenes se convierten al mismo tiempo en una gráfica, el signo indeleble que graba una vida, palabras grabadas en la memoria.
VESTUARIO:
El vestuario está siempre presente en el escenario, convirtiéndose en parte de la narrativa, como si de una instalación escénica se tratase. Pero también es una partitura performativa: utilizadas y desfiladas en el movimiento escénico, se convierten en movimiento danzado, en palabra, en gesto.
ESCENOGRAFÍA:
El plexiglás es el material utilizado para los elementos de escena creados para éste espectáculo.
Su delicadeza, ligereza y vulnerabilidad están íntimamente ligadas al eje representativo del propio espectáculo, a su esencia más profunda.
Los diferentes módulos escenográficos que son manipulados en el escenario, diseñan arquitecturas y crean espacios performativos que nos devuelven constantemente a la suspensión de la historia.
El material se convierte en una parte integral de la actuación; un símbolo, un elemento diegético.
“Un universo colorido e irónico de imágenes en diálogo con otras imágenes, de canciones que se convierten en historias, de voces arrancadas de un contexto y hechas florecer en otro para dar una nueva conciencia al público…”
METRO – Italia
“Un momento para reflexionar sobre temas relacionados con la inclusión …”
Duración: 50 min. aprox.
Localización: Adecuado para salas de teatro y localizaciones no convencionales.
Idioma: NO HAY TEXTO >> espectáculo no verbal
Técnicas: Drag Show / Teatro físico / Danza
Situación ideal: Frontal / Semicircular
Target: A partir de 10 años
Dirección: Lorenzo Pasquali
Propiedad intelectual: ONDADURTO TEATRO / Lorenzo Pasquali y Margò Paciotti
Cast: HoliDolores
Arreglos musicales originales: Luca Longobardi y
Matteo D’Incà
Diseño de vestuario: Modart Laboratorio
Light Design: Chiara Saiella
2021
– Frankfurt – Sommerwerft Theater Event – ALEMANIA > Premiere Internacional
– Roma – TDL Teatro di Roma – ITALIA
– Roma – Centrale Preneste Teatro – ITALIA
